Toda la Música | XXVI Festival Internacional en el Camino de Santiago

JACA – SANTA CRUZ DE LA SERÓS – BERDÚN – HECHO – SIRESA – BAILO

4 – 30 AGOSTO 2017

Historicismo y perfomance*

El Festival Internacional en el Camino de Santiago nace como un festival especializado en la música antigua (no solo cristiana, sino que programa, en ocasiones grupos que interpretan músicas hebreas y musulmanas).

Toda la Música | XXVI Festival Internacional en el Camino de Santiago
Toda la Música | XXVI Festival Internacional en el Camino de Santiago

Los conciertos —siempre que es posible— se programan en los monumentos que jalonan el camino a su paso por Aragón.

Como música antigua entendemos aquellas composiciones religiosas y profanas compuestas entre la edad media y el fin del barroco, interpretadas, habitualmente, con instrumentos de época.

Durante 25 años 302 grupos y solistas han pasado por los distintos escenarios del festival con programas de todas las épocas y procedencias.

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Historicismo versus recreación

Hace ya cuatro o cinco décadas que la interpretación histórica de la música está de moda, lo cual ha provocado enconadas polémicas entre los defensores de la interpretación de la música antigua con instrumentos originales, frente a los que prefieren los modernos.

Lo que se pretende -en pocas palabras- es conseguir un sonido como el que se concibió en el momento de la composición. Pero “La música no se conserva a lo largo del tiempo como un edificio, un cuadro o una vasija, sino que se produce: no es un objeto palpable, sino un hecho o una sucesión de acciones, que abarcan tanto el acto intelectual de la composición como también la ejecución —o interpretación— y su escucha. Igualmente, desde hace más de un siglo, la actividad musical culta se nutre sobre todo de obras debidas a compositores muertos hace tiempo, la mayoría de los cuales no llegaron a conocer las técnicas de grabación y reproducción del sonido. No podemos comunicarnos con los autores para que nos expliquen qué pretendían transmitir con sus composiciones, cómo deben ejecutarse y qué efectos deberían provocar en los oyentes. [González Marín]

Por tanto este afán historicista esconde casi siempre mucho de recreación. Como dice el maestro Jordi Savall, “yo no hago música antigua. Interpreto melodías que fueron creadas hace muchos años.

Cada vez que se toca, la música renace de una forma diferente. Sólo son antiguas las partituras […] en el momento que empezamos a cantar, la música es de nuestra época. Este es el gran misterio de la música.”

Toda esta polémica nace del hecho de que la música antigua no tiene una tradición interpretativa. Esto no ocurre con la música clásica de Mozart, Beethoven, etc., que sí posee una tradición interpretativa continua, que llega hasta nuestros días. La música antigua, sin embargo, dejó de interpretarse una vez que su época pasó y necesita ser revivida reconstruyendo o suponiendo las condiciones en que entonces se interpretaba, recreando la sonoridad y los rasgos estilísticos de la época. En ocasiones resulta paradójico que una de las corrientes musicales más modernas sea precisamente la de la «música antigua».

El año pasado en el ciclo de cine del festival pudimos ver la película de Pere Portabella El silencio antes de Bach en el que se recrea el asunto de las partituras con tinta de ternera. ¿Qué tinta? ¿Qué ternera? Es muy conocida la anécdota que cuenta que F. Mendelssohn se encontró nada más y nada menos que La pasión según San Mateo de Bach, la cual, había sido utilizada por un carnicero para envolver la carne de su tenderete. Esta anécdota, sea verdadera o no, ilustra muy bien la realidad, ya que es cierto que el gran Bach fue prácticamente desconocido hasta que Mendelssohn lo llevó a las salas de conciertos.

Seguramente a los seguidores de la música antigua actual no les gustaría la versión de Mendelssohn… pero algo es algo.

En esta vigesimosexta edición los criterios de selección artística se basa en la presencia de artistas de reconocimiento prestigio internacional junto a otros más nóveles pero con una demostrada calidad musical. De procedencias variadas, y con nutrida presencia —como viene siendo habitual— de intérpretes de la prolija escuela aragonesa. Eso sí —excepto “los de la perfomance” que hablaremos más adelante— seguidores de la escuela historicista de la que venimos hablando.

Y como en todas las ediciones, encontraremos programas de todas las épocas, desde la edad media al barroco.

Veamos pues. Alfonso X el Sabio recogió veintidós milagros atribuidos a la Virgen bajo la advocación de Santa María de Salas, “que constituye el mayor porcentaje de Cántigas dedicadas a conocidas advocaciones marianas peninsulares, yendo por delante de las presentadas a nombre cualesquiera otras titularidades”. [Antonio Ubieto]

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Ensemble Ars Memoriae de Salas

El Ensemble Ars Memoriae de Salas reúne a un grupo de intérpretes especializados (algunos radicados en la ciudad de Huesca) que comparten la pasión por el estudio y la interpretación de la música medieval Ibérica.

En esta ocasión interpretarán 11 (la mitad) de las cántigas relacionadas con Salas bajo el título Un miragre fezo en Salas Santa María.

En este programa el conjunto presenta al público una colección de estas magnificas composiciones utilizando recreaciones de instrumentos del período, reconstruyendo cuidadosamente el contexto interpretativo de cada pieza y proyectando con gran fuerza el significado de sus textos y la exquisitez de sus melodías.

Decíamos más arriba que nuestro festival es un festival especializado en la música antigua y no solo cristiana, si no que programa, en ocasiones grupos que interpretan músicas hebreas y musulmanas.

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Los músicos de Urueña

Los músicos de Urueña presentan un programa denominado Tres Culturas en el Camino de Santiago. Luis Delgado & César Carazo, nos traen en esta ocasión un repertorio dedicado a la música de las Tres Culturas.

Si bien la convivencia en el Medievo Hispano no fue en todos los casos un espacio idílico, tal y como a veces se pretende mostrar, no existe duda histórica de la imbricada sociedad que se desarrolla en diferentes puntos de la Península entre judíos, musulmanes y cristianos.

En muchos pueblos y ciudades la llamada a la oración del almuédano desde su alminar dejaba paso al tañer de los campanarios cristianos, en unas calles en las que los sefardíes celebraban su fiesta de Purim.

En definitiva, hablamos de un periodo protagonizado y compartido por tres religiones, que frecuentemente es tomado por historiadores y sociólogos como ejemplo de convivencia humana. En este concierto se realiza un recorrido por la música de estas tres sociedades que, si bien han llegado hasta nosotros en forma desigual, en su momento compartieron espacio, tiempo e instrumentos.

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Capriccio Stravagante

Capriccio Stravagante es reconocido mundialmente por sus memorables interpretaciones de música renacentista y barroca. Fue fundado por Skip Sempé en 1986, siendo el primer grupo francés distinguido internacionalmente en la interpretación de música de cámara dedicado básicamente la música de los siglos XVII y XVIII.

En esta ocasión escucharemos un variado programa con compositores —en su mayor parte— de final del Renacimiento y del primer Barroco. Compositores —en algunas ocasiones— desconocidos pero no por ello sin interés. Entre ellos los españoles Bartolomeo de Selma y Salaverde, y Diego Ortiz.

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Al Ayre Español

Al Ayre Español es un grupo vocal e instrumental aragonés cuyos criterios interpretativos se basan en la corriente historicista y utilizan instrumentos de época. Fue fundado en 1988 por su director Eduardo López Banzo sin duda figura clave en la interpretación e investigación de la música antigua. En la inauguración del festival podremos escuchar un programa titulado Cielos, planetas, estrellas, luceros. Músicas devocionales íntimas. Eduardo López Banzo (clave) junto a Verónica Plata (soprano) interpretarán obras relacionadas de una u otra forma con el ambiente de la Capilla Real de principios del siglo XVIII, incluyendo cantos para voz sola con acompañamiento de continuo y música para teclado.

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Eduardo López Banzo

Eduardo López Banzo cuenta con un proyecto paralelo al del Ayre Español. Se trata de una formación vocal que utiliza para acercarse a otro tipo de programas: Vozes al Ayre. Escucharemos madrigales de Monteverdi en un concierto conmemorativo que celebra el 450 aniversario del nacimiento del compositor de Cremona.

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Trío la Serenissima Pietà

El trío la Serenissima Pietà (del cual forma parte la soprano montisonense María Eugenia Boix) hace referencia a la Serenísima República de Venecia. En el programa que hoy nos ocupa, se recogen algunos de los mejores ejemplos del florecimiento musical que se produjo en el período barroco en aquella región, a través de los músicos e intérpretes que allí vivieron y trabajaron: Claudio Monteverdi, Giovanni Legrenzi, Benedetto Marcello, Giacomo Facco y Giovanni Bononcini. La devoción religiosa y la piedad de estos artistas sirvieron como fuente de inspiración para la creación de algunas de sus mejores composiciones, ya que la ópera y la música sacra proporcionaban el sustento vital a la mayoría de los músicos del barroco italiano.

La Basílica italiana de San Petronio de Bolonia tuvo, durante el siglo XVII, una Capilla musical en la que notables violoncellistas llevaron por primera vez al violoncello, hasta entonces dedicado a labores de acompañamiento en el bajo continuo, al papel de instrumento solista: Domenico Gabrielli, Giovanni Battista Vitali y Bergamasca fueron los más destacados. Johann Sebastian Bach se trasladó a Köthen en 1717, para trabajar como maestro de capilla.

Y allí compuso sus obras maestras para violonchelo solo. De la basílica de San Petroniode Bolonia al palacio de Köthen, la evolución del repertorio para violoncello solo en el Barroco es el título elegido por Josetxu Obregón, joven pero reputado internacionalmente violoncelista que formó parte de la Royal Concertgebouw Orchestra y dirige actualmente el conjunto La Ritirata.

El instrumento de teclado más importante en España y Portugal durante el siglo XVII fue el órgano. Una de las características únicas de estos órganos es el registro partido, contar con un solo teclado y un pedalero de no más diez notas [John Walter Hill].

Pues bien, el órgano que utilizamos en el festival no se aparta de estas características. Está ubicado en la parroquial del pintoresco municipio de Berdún. Su hechura parte de una donación de Domingo Solana en el año 1628, aunque fue reparado y reconstruido en varias ocasiones. En 1735 se rehizo con la participación del organero de Luna, Tomás Longás, el carpintero de Bailo, Antonio Sanz, y el carpintero de Berdún, Mamés Sanz.

En 1860 se rehabilitó a cargo del organero de Tafalla Hermenegildo Gómez y Mardones. Fue restaurado por el organero de Berdún J. Antonio Pérez Añaños entre 1987 y 1989.

Cuenta con un teclado partido (45 notas) y pedalero de 8 contras. Adam Viktora, órgano & Lenka Cafourková, soprano.

Desde que Pierre Hantaï grabara las Variaciones Goldberg para el sello Opus 111 su nombre se relaciona inmediatamente con Bach y, en particular, con la célebre obra. Su versión le catapultó, con menos de treinta años, a lo más alto en el mundo del clave y se convirtió desde entonces en referencia más recomendada de la mencionada obra.

En esta ocasión serán algunas suites y partitas las que escucharemos con idénticamaestría.

Hasta aquí nueve conciertos donde el intento de búsqueda del sonido original es el objetivo de estos grupos y solistas. Quizás nunca sepamos cuanto de él hemos escuchado y cuanto de recreación hemos encontrado.

Lo más importante —seguro— es que las interpretaciones sean creíbles. “La interpretación correcta no existe.

Existen, como mucho, interpretaciones convincentes, interpretaciones que llegan a ofrecer al público respuestas creíbles a los interrogantes que contiene la partitura.” [González García]

Recreación versus perfomance

Desde el comienzo del festival —y cuando ha sido posible— el festival ha asumido riesgos. No solo con la programación de músicas no occidentales. También con la programación de grupos “herejes”. Grupos que no solo recreaban vocacionalmente las músicas antiguas sino que las llevaban a terrenos de la perfomance o cuanto menos a la combinación de distintas artes.

Sí, la moda (curiosamente la modernidad) estaba al lado del historicismo.

Pero había (y hay) propuestas que partiendo de una partitura la recrean y la modifican. Y esto puede hacerse con respeto al espíritu original.

Les pondré dos ejemplos que, por cierto, gozaron de gran éxito entre el público. Una del año 2010; otra de la primera edición. Sarband & Modern String Quartet con La Pasión árabe según J.S. Bach. Músicos barrocos, músicos de jazz, cantantes de oriente, proyecciones… El espíritu de J.S. Bach es reinterpretado entrelazando las tradiciones vivas de Oriente Medio con improvisaciones jazzísticas.

En 1992 Les plasticiens volants pusieron en escena en el espectáculo Le Combat de Tancrède et Clorinde de Claudio Monteverdi, representádolo sobre una red, donde la danza vertical es la gran protagonista.

Este año presentamos dos espectáculos que se acercan a la experimentación; en la recreación; en la mezcla de disciplinas. Los responsables: La Fura del Baus y Soqquadro Italiano.

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Ensemble Divina Mysteria

La Fura dels Baus junto a la formación de música antigua Divina Mysteria propone en escena la Cantata de los agricultores BMW 212 de J.S. Bach donde la partitura original se mezcla y acopla con las músicas electrónicas, la imagen multimedia (David Cid), el flamenco (la cantaora Mariola Membrives), la danza (a cargo del bailarín murciano Miguel Ángel Serrano) y una poética contemporánea del espectáculo que quieren acercar la obra al público actual. La cantata tal cual la compuso Bach tiene elementos de danza y de canción: elementos

de la danza rústica de los campesinos, de la danza refinada de la sociedad burguesa (bourrée, polonesa, zarabanda, mazurca, minueto y passpied), y de la canción popular. Pues “cada solista, al lado de cantos más folklóricos, ha de interpretar también un aire refinado, estilizado a la manera urbana” [Sánchez Reyes].

Con una danza francamente rural ilustra Bach el último texto confiado a la soprano: “Que todos sepan que la hora de beber ha llegado” (en nuestro caso, como les cuento después, fue verdad: cerveza). Y en el coro final (en realidad un dúo de la soprano y el bajo) se confirma el ambiente burlesco y campesino de la cantata. La melodía es una bourrée en estilo tradicional.

El vídeo aludido, la imagen multimedia obra de David Cid no es un decorado. La colección de imágenes hace la función de un segundo elemento narrativo. El recaudador (un personaje ausente pero siempre presente en el texto) y los campesinos son representados en el vídeo como actores de cine mudo; ellos parpadean entre texturas, imágenes pastoriles, flashes de color y granulados.

La firma musical de Bach se halla sutilmente presente, escondida como un acertijo. Los diversos elementos que se añaden a la cantata, permiten un juego musical y visual para una reinterpretación de trasfondo político.

Tuvimos el placer de asistir al estreno en el incómodo recinto de la antigua fábrica Moritz de Barcelona (que por contra fue una maravilla cuando se transformó en fiesta final con magnífica cerveza para todos) en el marco del festival Bachelona.

No podemos estar más de acuerdo con la crítica del mismo que publicó en el diario El País Miquel Jurado. Entre otras cosas decía que “Miki Espuma, uno de los fundadores de La Fura del Baus, ha reinterpretado a su manera la Cantata de los campesinos de Bach sin traicionar ni su espíritu ni su contenido musical, pero introduciendo un puñado de elementos ajenos a la partitura que, en vez de distorsionar el discurso, le aportan nuevos elementos de coherencia (tal vez no fueran necesarios pero tampoco sobran) y potencian la cara festiva del genio barroco (que también la tenía). Espuma ha confeccionado un exquisito divertimento para mentes abiertas a la aventura que se consume con suma facilidad y deja un magnífico regusto en el paladar.

En sus manos queda claro que Bach era un furero.”

Soqquadro Italiano es un proyecto artístico fundado por Claudio Borgianni y Vincenzo Capezzuto. En sus actuaciones en vivo se centran especialmente en el repertorio barroco italiano, que reviven y contaminan con otros géneros en un “caos organizado” de modernidad y tradición, creando una extraordinaria interacción con públicos de todas las edades. (No en vano Soqquadro, en castellano, significa desbarajuste, desconcierto.) Stabat Mater – El Proyecto Vivaldi es un espectáculo donde la música, el canto y la danza se unen para definir una especie de “Opera Total”. Claudio Borgianni reescribe un Vivaldi totalmente nuevo e inédito, dando la posibilidad a Vincenzo Capezzuto (además de cantante invitado en distintos grupos barrocos, fue principal bailarín con el ballet de la ópera de San Carlo de Nápoles, English National Ballet y el Ballet Argentino de Julio Bocca)

de pasar, con extrema facilidad, del canto a la danza, sin que el público pierda el horizonte de los límites entre los distintos géneros de las artes escénicas. No se trata de un reto irreverente, sino que se acerca a la experimentación cultural de un grupo de artistas que han optado por la “deconstrucción” y la “re-creación” como su principio fundamental.

La música de Vivaldi —en palabras de su cofundador Claudio Borgianni— “es realmente extraordinaria. Hoy, como ayer, está tan viva que incluso si se descompone en sus elementos, se reescribe, se reduce a fragmentos o se “reproduce” electrónicamente, no pierde su carácter distintivo, ni su inconfundible calidad teatral.

Así que hemos elegido todos estos modos para contar la historia de la Madre, adoptando una perspectiva que es definitivamente más espiritual que religiosa.

El Stabat Mater era muy tentador.”

Recreación versus recreación

Sea como fuere hemos cerrado el bucle. Y parece obvio que todo nos lleva a la recreación. Con unos parámetros u otros; con mayor o menor intensidad. No sé si con la música pasará como con la historia según explicó el hispanista John H. Elliott “ninguna historia es definitiva porque cada generación va a reescribir la historia”. No en vano el pasado no retorna, pertenece a cada generación.

Se ha repetido hasta la saciedad la frase “Sólo hay dos tipos de música: buena y mala”. Nunca supe de quien es o a quien se atribuye la autoría de esta frase. Si conozco, por contra, otra más completa. Es de Duke Ellington;

“Hay dos tipos de música: buena y mala. Me gustan ambas”. No se por qué se perdió el final en el imaginario popular. Sea como fuere nada mejor que seguir el consejo de Ludwig van Beethoven: “Nunca rompas el silencio si no es para mejorarlo.”

Luis Calvo Panzano
Abril de 2017

Dossier del Festival Internacional Camino de Santiago

Toda la Música | XXVI Festival Internacional en el Camino de Santiago

NdeP

* Espectáculo de carácter vanguardista en el que se combinan elementos de artes y campos diversos, como la música, la danza, el teatro y las artes plásticas.

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