Orquesta Barroca de Sevilla y la soprano Alicia Amo. In memoriam Bartholomaei

Concierto de temporada OBS

En conmemoración de la muerte de Murillo, este programa plantea un paseo por algunas despedidas musicales, no todas de carácter fúnebre. Sí lo es, al menos en apariencia, el Lamento atribuido a Pietro Antonio Locatelli, una Sinfonía fúnebre en fa menor “composta per l’esequie della sua Donna che si celebrarono in Roma”, como se lee en el manuscrito preservado, una referencia a la esposa del músico que ha puesto en duda su autoría, ya que los datos biográficos de Locatelli no concuerdan con esta noticia. La obra, original para dos violines, viola y bajo, se presenta en cinco movimientos.

Se abre con un Largo muy cromático, que lleva el título de Lamento, al que sigue un Alla breve ma Moderato de abundantes imitaciones que, tras una marcada disonancia y un pianissimo súbito, termina con cinco compases en Adagio que enlazan con un Grave muy articulado en compás ternario.

Un Non presto animado en forma binaria que termina también con cinco compases en Adagio, prepara el cambio de atmósfera del final, un Andante en fa mayor y compás de 3/8 que lleva el título de La Consolatione, está escrito en forma binaria y repleto de indicaciones de dolce y tranquillamente que desvelan claramente su carácter. La obra se interpretará a partir de la versión con oboes que Johann Georg Pisendel preparó para ofrecerla con la famosa orquesta de Dresde, de la que fue concertino desde 1728 hasta su muerte en 1755.

Se ha discutido mucho sobre la auténtica atribución de la cantata Non sa che sia dolore, catalogada como obra de Bach con el número BWV 209, aunque hoy la mayoría de especialistas parecen optar por la autenticidad (Alberto Basso, que la vincula al entorno de los músicos de Dresde, es una notoria excepción,). El texto, de autor desconocido, está en un italiano macarrónico, como cosido a partir de diversas fuentes, desde versos de poemas de Guarini a otros de varios libretos de Metastasio. La cantata se ha datado en 1729 y parece dedicada a un joven profesor que vuelve a su patria, Ansbach, aunque la identidad del joven nos es igualmente desconocida.

La apuesta por la autoría bachiana tiene un sólido argumento en la Sinfonía instrumental que abre la pieza, que muchos han vinculado con su suite orquestal nº2, con la que comparte tonalidad (si menor) e instrumentación: una flauta solista, junto a la cuerda (dos violines, viola) y el bajo continuo. El tipo de trabajo temático, con un ritornelo que es sujeto a continuas elaboraciones y desarrollos, presenta un carácter fuertemente bachiano. La voz se presenta con un recitativo en la tonalidad principal acompañado por la cuerda. La primera aria está en forma da capo y destaca por el contrastado carácter de sus dos secciones: doliente la primera, en mi menor; gozosa la segunda, en el relativo sol mayor, con significativas figuraciones sobre el término “goderai” (“gozarás”). El segundo recitativo es muy breve y está acompañado sólo por el continuo, como introducción a la segunda aria, también da capo, una pieza de carácter danzable próxima al estilo galante.

Formado en Venecia con Giovanni Legrenzi y posiblemente con el violonchelista Domenico Gabrielli, la carrera de Antonio Caldara está muy vinculada a los Habsburgo, para quienes trabajó desde que en 1708 su ópera Il più bel nome se estrenara en Barcelona con motivo del matrimonio entre Carlos III, el pretendiente austriaco al trono español, y Elisabeth Christine de Brunswick-Lüneburg. Aunque luego regresó a Italia, en 1716 se instala definitivamente en Viena como vicemaestro de una capilla que entonces dirigía Fux. Su actividad en la corte imperial fue intensísima e incluyó composición de óperas, oratorios, cantatas, misas y motetes. Los oratorios que se presentan en el concierto de hoy están separados por un cuarto de siglo. Maddalena ai piedi di Cristo fue presentado en Venecia y Mantua en 1698 y 1699 respectivamente con apreciable éxito, aunque sobre la realidad del estreno veneciano hay sólo conjeturas. Caldara apreciaba en cualquier caso la obra, pues la usaría luego como carta de presentación para conseguir su puesto en la corte imperial. El oratorio, con libreto de Luigi Forni, respeta las convenciones del género en la época, con su división en dos partes abiertas cada una con una sinfonía introductoria. Se ofrecerán dos arias del personaje de Magdalena. La primera (“In lagrime stemprato il cor qui cade”) sale de la segunda parte de la obra, y es un aria doliente, escrita en la tonalidad de si menor, con un violone especificado en el continuo. La segunda (“Pompe inutili”), que se hace preceder del recitativo inmediatamente anterior, está en la primera parte y es un Larghetto que incluye un violonchelo obligado y una breve sección central de carácter muy agitado que está marcada como Presto en la partitura. Ambas arias se ajustan al modelo da capo, habitual ya en los oratorios italianos del cambio de siglo.

Morte e sepoltura di Christo es ya obra vienesa, escrita para la Cuaresma de 1724 a partir de un libreto de Francesco Fozio. Se trata del noveno oratorio escrito por Caldara para la Hofkapelle y, como los anteriores, se benefició del poder económico de la corte imperial, que permitía a Caldara contar con cantantes de primerísimo nivel y con una orquesta de rica instrumentación, que en esta obra se traduce en el empleo de chalumeau, fagot, trombones y timbales. Las dos arias que se presentan hoy fueron concebidas para dos grandes castrati italianos, presentes en la corte, Domenico Genovesi, que cantó el papel de María Magdalena, y Giovanni Carestini, recién contratado, que a sus 19 años era ya una de las figuras emergentes del canto en toda Europa y cantó el rol de María Salomé.

“Cari marmi” es un aria de la Magdalena, que presenta una línea muy ornamentada e incluye un violín obligado. De carácter bien diferente es la otra pieza, “È morto il mio Giesù”, un lamento apasionado construido sobre una zarabanda confiada a las cuerdas y que basa su impacto emotivo en una escritura muy cromática, que Carestini aprovecharía sin duda para dar voz a María, la madre de Jacobo, haciendo gala de una de sus grandes virtudes, la del canto expresivo.

© Pablo J. Vayón

Programa

Intérpretes

Alicia Amo, soprano
Orquesta Barroca de Sevilla

Andoni Mercero (concertino), Pedro Gandía, Miguel Romero y Rafael Muñoz-Torrero, violines I
Leo Rossi (concertino secondo), Valentín Sánchez y Nacho Ábalos, violines II
José Manuel Navarro y Mari Gracia Ramírez, violas
Mercedes Ruiz, violonchelo
Rodrigo Gutiérrez y Jacobo Díaz, oboes
Guillermo Peñalver, flauta
Ximo Osca, fagot
Ventura Rico, contrabajo
Juan Carlos de Múlder, tiorba
Alejandro Casal, clave y órgano

Director: Maxim Emelyanychev

Los textos

Martes 3 de abril de 2018 a las 20:30hs | Espacio Turina, Sala Silvio

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Sobre Alicia Amo

Comienza sus estudios de violín en Burgos, obtiene el título superior en Musikene con las más altas calificaciones y continúa en la Universität für Musik de Graz, donde comienza sus estudios de canto. Realiza Bachelor y Máster en canto en la Schola Cantorum Basiliensis con G. Türk y A. di Marchi entre otros, obteniendo Matrícula de Honor. También estudia violín barroco y realiza dos Operastudio con R. Jacobs y A. Zedda. Es ganadora del I Manhattan Internacional Music Competition, I Concurso Internacional W. A. Mozart de Granada, I Berliner Internacional Music Competition, VIII Concorso Internazionale di Canto Napoli y es elegida por el Festival d’Ambronay, Atelier Lyrique Strasbourg, Fondazione Cini y Fondation Royaumont.

Actúa como solista tanto en ópera como en oratorio junto a numerosas agrupaciones como Café Zimmermann, Zürcher Kammerorchester, Vokalakademie Berlin, Orchestra di Lugano, La Cetra, Orquesta Barroca de Sevilla, Le Parlement de Musique, Orquesta Sinfónica de Burgos, Orquesta Sinfónica de Reinach, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Granada, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta Sinfónica de RTVE, etc. bajo la dirección de A. Marcon, M. Gester, G. Paronuzzi, C. Mena, R. Alessandrini, P. Valetti, R. Pichon, J. Cohen, E. L. Banzo, P. González, G. García Calvo, M. A. Gómez Martínez, V. Pablo Pérez, E. Onofri, P. Heras Casado, T. Hengelbrock y R. Jacobs entre otros y en teatros como el Campoamor, Arriaga, Maestranza, La Zarzuela, Semperoper Dresde, Versalles, etc. Alicia también es solista de varios ensembles, ha realizado numerosas grabaciones y es profesora en AIMAntiqua, Universidad de Murcia y Baroque Operastudio Burgos.

Como violinista ha sido solista y concertino de la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), Sinfónica de Burgos, miembro de la European Union Youth Orchestra (EUYO), Steirische Philarmonie, I Barocchisti y colaboradora de la Sinfónica de Euskadi, Barroca de Sevilla y OSRTVE.

Sobre la Orquesta Barroca de Sevilla

La Orquesta Barroca de Sevilla se sitúa incuestionablemente en el primer nivel de las agrupaciones españolas que se dedican a la interpretación de la música antigua con criterios historicistas. Fue creada en 1995 por Barry Sargent y Ventura Rico y, desde 2001, su director artístico es Pedro Gandía Martín.

Entre las figuras internacionales que se han puesto a su frente, algunas de talla mítica, podemos destacar a Gustav Leonhardt, Christophe Coin, Sigiswald Kuijken, Jordi Savall, Christophe Rousset, Rinaldo Alessandrini, Monica Huggett, Harry Christophers, Andreas Spering, Diego Fasolis, Juanjo Mena, Eduardo López Banzo, Pablo Valetti, Enrico Onofri… Además de la intensa actividad que desarrolla en Sevilla y el resto de Andalucía, se presenta en los más importantes escenarios españoles y europeos (Alemania, Francia, Italia, Suiza…).

Tras haber grabado para los sellos discográficos Harmonia Mundi, Lindoro y Almaviva, la Orquesta Barroca de Sevilla ha creado el suyo propio: OBS-Prometeo. Ha recibido distinciones como el Editor´s Choice de la revista Gramophone, Excepcional de Scherzo, Ritmo Parade, Recomendable de Cd Compact y AudioClásica, 5 estrellas Goldberg, Melómano de Oro… Las últimas referencias de este sello son: La música en la catedral de Sevilla, bajo la dirección de Enrico Onofri, y Adonde infiel dragón, con Vanni Moretto y María Hinojosa. Recientemente ha realizado la primera grabación íntegra en DVD de los conciertos para violoncello y orquesta de C. Ph. E. Bach, con Christophe Coin.

En el año 2011 le fue concedido el Premio Nacional de Música, otorgado por el Ministerio de Cultura de España. Asimismo, ha obtenido el Premio Manuel de Falla 2010, Premio FestClásica 2011 y una Distinción Honorífica del Ayuntamiento de Sevilla. La OBS cuenta con la colaboración del Ministerio de Cultura, Junta de Andalucía, Ayuntamiento de Sevilla y Universidad de Sevilla.

Sobre Maxim Emelyanychev

Destacado representante de la generación más joven de directores rusos, Maxim Emelyanychev nació en 1988 en una familia de músicos. Recibió lo principal de su formación musical en Nizhny Novgorod (dirección y piano) y luego con Gennady Rozhdestvensky en el Conservatorio Chaikovsky de Moscú.

Maxim es ganador de numerosos concursos internacionales (clave, dirección, piano) y, en 2013 fue galardonado con el más importante premio ruso de teatro, la Máscara de oro, por su actuación como clavecinista en la producción teatral de Las bodas de Fígaro de la ópera de Perm, dirigida por Theodor Currentzis (CD de Sony Classical).

Desde su debut como director a la edad de 12 años, es invitado por numerosas orquestas rusas e internacionales, tanto barrocas como sinfónicas. Es director principal de la Orquesta Il Pomo d’Oro y de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Nizhny-Novgorod.

Colabora con artistas tan reconocidos como Riccardo Minasi, Max Emanuel Cencic, Xavier Sabata, Julia Lezhneva, Sophie Karthäuser, Franco Fagioli, Dmitry Sinkovsky, Marie-Nicole Lemieux, Alexei Lubimov, Theodor Currentzis, Patrizia Ciofi, Katia y Marielle Labèque o Joyce Di Donato.

La temporada 2016-17 está marcada por una importante gira internacional con Joyce DiDonato y el lanzamiento de su grabación de Warner Classics (In War and Peace, Harmony through music), que recibió el Premio Grammophon 2017. Debutó en el Opernhaus Zürich en El rapto del serrallo de Mozart y debutó con la Orquesta Nacional del Capitole de Toulouse, que lo invitó nuevamente para tres conciertos en octubre de 2017.

Los aspectos más destacados de la temporada 2017-18 incluyen su regreso a Toulouse y a Sevilla, orquestas que han vuelto a invitarlo para la temporada 2018-19; su debut con la Orchestra della Svizzera Italiana en Lugano, que también lo ha invitado a volver; e invitaciones para dirigir la Orquesta Nacional de Lyon, la Orquesta Sinfónica de Milán LaVerdi, la Real Filarmónica de Liverpool, la Orquesta Nacional de Burdeos y la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo en el marco del prestigioso Festival Arts Square fundado por Yuri Temirkanov.

La temporada 2018-19 lo verá al frente de la Orquesta Filarmónica de los Países Bajos, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta de la Svizzera Italiana, la Orquesta Nacional del Capitole de Toulouse, la Orquesta Sinfónica de Tokio, la Royal Philharmonic Orchestra y la Orchestra of the Age of Enlightenment en el Festival de Glyndebourne.

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